As accións son cocidas nun medio de película de tecido de celuloide suave. Por que se inventou a cámara de cine? Mira como cambian as cousas. Non hai nada máis conmovedor que unha gran película de acción. Diablos, cada rodaxe comeza con alguén gritando "¡Móvete!"
Pero que fai que as películas de acción sexan xeniais? O xénero xa é moi subxectivo. Stephen E. de Souza, guionista de moitas das películas veneradas que se enumeran a continuación, non escoitou que as películas de acción fosen consideradas un xénero separado ata mediados dos anos 80. Antes diso, estaba espallado por westerns, películas de guerra, películas de artes marciais e programas policiais. Nestes días, as películas de acción volvéronse a converter en telenovelas de superheroes e en todos os demais éxitos de éxito de efectos especiais, e é difícil non atopar películas de acción no teu cine local. Entón, para definir a verdadeira grandeza, esta lista inclúe unha pequena selección de todo o anterior.
Pero como se compara "cocido" con "O Señor dos Aneis"? Hai mazás e laranxas, e están Jackie Chan e Arnold Schwarzenegger. Sería unha tontería buscar a película de acción máis autorizada, historicamente incuestionada e máis grande de todos os tempos. Polo tanto, as seguintes 95 entradas están listadas por orde alfabética. Pense nel como un curso sobre os conceptos básicos de correr, saltar e caer. O único que é realmente impresionante é que a película ofrece unha variedade de emocións, xa sexa Tony Jaa facendo flexións a un elefante ou Rudy Ray Moore buscando un insulto. . É acción, embalaxe.
A única forma de torturar a alguén como Action Jackson é amarralo como Steve Reeves Hercules e usar un soplete industrial sobre el. Por suposto que non se avaria, pero iso dálle tempo para chegar ao material. O xeito no que o director Craig Baxley e a estrela Weathers abordan o material é o motivo polo que Jackson, os homes e as películas forman parte do panteón de acción. Usando un lanzagranadas para arrinconar aos seus captores a corta distancia, Weathers lanzou a frase: "Como están as costelas?" como un veredicto na Haia. En lugar de mostrar calquera carnicería física, Barksley desapareceu de lume en lume, converténdose nun medio estante ardente nunha grella.
"Action Jackson" é o que outros heroes de acción dos anos 80 viron en varios salóns do centro comercial e aplaudiron a medida que avanzaban os créditos. Cada escena é un artigo novo sobre o xenial que é Jackson. É un salvaxe con distintivo, tanto en lenda como en tamaño. Unha vez desmaiou a un criminal simplemente dicindo: "Reláxate". Pasan momentos deses descapotables do tamaño dun fútbol ou vermello cereixa que non lle pertencen facendo a Craig T. Nelson como o empresario de artistas marciais máis malvado da industria dos artistas marciais. Pero ningún dos viláns de Blaxploitation antes del pode igualar a forza orientadora de Action Jackson, quen levou a Pontiac cara arriba coa forza do odio.
Nun universo xusto, habería tres secuelas e reinicios nesta lista. Carl Weathers merece máis, pero é difícil imaxinar mellor.
"Cando vin a primeira onda de Akira, pensei que ía ser un fracaso", dixo a Forbes o creador e director Katsuhiro Otomo. "Axiña saín do cine e volvín a casa para dicirlle á miña muller que a película foi un fracaso". Esta é unha feble homenaxe a unha das historias de ciencia ficción máis influentes de todos os tempos.
O líder da banda Shotaro Kaneda, con voz de Mitsuo Iwata, lidera unha presenza brutal, aínda que simple, nas biliosas sombras de New Tokyo. Confía na máquina de discos, corre con bandas de motociclistas rivais e sae co seu mellor amigo da infancia, Tetsuo Shima (voz de Nozomi Sasaki). Con todo, todo cambiou, e cando Tetsuo estrelou a súa bicicleta contra un neno que pasaba, resultou completamente ileso pola explosión posterior. Non pasou moito tempo antes de que a parella estaba ata os xeonllos na cobertura do goberno, incluíndo telequinese, enterro de restos e horror corporal en globo. Pero desenvolver a trama de Akira é unha perda de tempo e papel; é imposible aprecialo sen ver cada unha das súas 160.000 células en movemento imposible.
O fume dos zarcillos, sensible e buscador, rastrexaba cada explosión. Desde unha altura, o tráfico en Cabo Mors perturba os edificios de neón. Os farois e as lareiras brillaban coa mesma cor laranxa ao pasar á mesma velocidade. A acción foi tan rápida que cando Kaneda derrapou coa súa motocicleta, Otomo e compañía rexistraron accidentalmente o seu movemento como o derrape do Akira. Aínda que isto é tan efectivo como sempre para o anime, a ciencia ficción xaponesa e o anime maduro en xeral, nada supera o ultra-elegante pesadelo de Akira.
James Cameron comezou a traballar no guión das películas "Alien" e "Rambo: First Blood" o mesmo día. O que une estes dous proxectos, máis que calquera hardware militar ou fábula vietnamita, é a habilidade única de Cameron para crear a mellor secuela: en caso de dúbida, actúa rapidamente.
Debido a problemas cos xenomorfos, a porteira Ellen Ripley ten TEPT e a súa habilidade para conducir é investigada oficialmente. Agora, unha experta que acaba de saír da súa dor, ofrece unha misión para acompañar a algúns marines espaciais nunha posible busca de erros. Pero a redención e o emprego son menos importantes para ela que a vinganza fría e de calidade. Nin Ripley nin a galería Meathead Peanuts sospeitaban que fose ela a que ía tirar a maior parte.
Cameron tardou algún tempo en convencer a Weaver de que non ía xogar a Rambo no espazo. A súa vinganza de Ellen Ripley, tal e como actuou ao final, pertence ao panteón das heroínas de acción. Aínda que aínda estaba loitando nunha guerra un a un co seu rifle de asalto e o seu lanzallamas, había risco na súa respiración irregular. Ela destruiría eses monstros ou morrería, e sabía exactamente onde estaban as oportunidades. Nunha entrevista de 2017 con Entertainment Weekly, Weaver desglosou o papel no seu ámbito clínico: "Ripley non ten tempo para tratar de ser empático, sabes?" En Alien teno todo patas arriba. En Alien, ela crece exponencialmente en profundidade, pero aínda así corre ao centro da escuridade para salvar a un neno perdido. Non é dura, só callosa, o que fai que sexa aínda máis emocionante vela encerrada, cargada e berrando.
Bad Boys era un éxito de taquilla de Jerry Bruckheimer e Don Simpson cando o súper produtor estaba na súa clase. Todas as estrelas da película teñen caras de televisión, e todas non tardaron en substituír a Dana Carvey e Jon Lovitz. O proxecto máis grande do director ata a data é o "Tes leite?" campaña.
Pola contra, Bad Boys 2 non é só unha película de Michael Bay. En moitos sentidos, esta é unha película de Michael Bay. En resposta ás críticas de Bay á reputación do Titanic como Pearl Harbor, Bay fixo unha reclamación de 130 millóns de dólares que permanece ata o día de hoxe: exterminaría persoas a cambio dun orzamento suficientemente grande para o incendiario.
"Todo o mundo merece respecto", dixo Martin Lawrence. Esta é unha broma da que Bey nunca deixará de rirse. Os cadáveres frescos rebotan como barrís en Donkey Kong durante unha persecución en coche. As liñas puntuais sobre a sexualidade das ratas pagaron con demostracións animadas. A broma de corazón a corazón está chea de medo homosexual e emítese en Best Buy para que os compradores poidan burlarse adecuadamente dos sentimentos humanos reais. A persecución de favelas en Police Story volveuse a facer e reviviuse con moitos danos colaterais. Momentos despois de matar a un sospeitoso baixo as rodas do metro de Miami-Dade, Lawrence volveu desafiar aos deuses: "Esta ten que ser a peor e máis emotiva semana policial da miña vida". unha facción de axentes do goberno invadiu Cuba para rescatar a súa irmá.
Bad Boys 2 foi a peor e máis emotiva semana policial no celuloide. Incrible se podes soportar.
A diferenza entre poliziotteschi, a marca italiana do crime europeo dos anos 70, e a clase procesual estadounidense Dirty Harry que influíu nela reside no primeiro gran traballo policial do superpolicía Fabio Testi. Despois de ver como unha terrible banda de matóns os ataca, chantaxea e intimida en Roma, seguiunos a unha teleconferencia. En lugar de marchar con réplicas frías e armas de filo, Testi foi acurralado. O membro da banda golpeou todas as superficies que puido golpear e tirou o seu coche sen marcar por un acantilado. No seu interior, as dúas cámaras seguen xirando mentres Testi vólvese boca abaixo, intentando evitar que os anacos de vidro do seu fermoso rostro.
En poliziotteschi, a violencia é despiadada e intransixente, sen esquecer que moitas veces é perigosa tanto por dentro como por fóra. Mesmo os superpolicías non están a salvo. Se non, dilles por que están tan obrigados a tomar a lei polas súas propias mans? En The Big Racket, non hai alternativa para o sheriff que a xustiza. Cando Testi atópase con corrupción departamental, empaca a súa chaqueta de ante e os Marlboro Reds e vai como autónomo, armando a todos os veciños afectados que poida atopar. A guerra resultante é a máis brutal do subxénero, pero o director Ezno J. Castellari nunca a fai satisfactoria. Mesmo o triunfante Testi remata a película sen nada. Aínda que a polpa fascista do crime italiano pode ser un sabor adquirido nestes días, o Big Rack segue sendo un dos cócteles de chama máis suaves.
Da sagrada trinidade de Hong Kong de Tsui Hark, Wu Yousen e Ling Ge, Graham é a máis difícil de clasificar. Entre as súas mellores películas destacan a comedia de época (Peking Opera Blues), a épica de artes marciais (Once Upon a Time) e o ballet de balas (Tomorrow Will Better). Todos eles son excelentes, pero ningún deles é definitivo. Non obstante, para representar mellor a gama, nada supera a Blade's Edge.
Para actualizar o espadachín dun brazo formativo de Zhang Che, Xu traballou sen guión e enmascarou as diferenzas cunha brutalidade absoluta. Para vingar ao seu pai, o ferreiro Zhao Wensen perdeu o seu brazo dereito, o que o converteu nun asasino orfo. En lugar de xurar vinganza, deixouno todo e fuxiu. Por este pecado, un ladrón ao azar entrou na súa casa, colgoulla boca abaixo e prendéronlle lume. Nese momento, ademais da rabia do seu pai e da espada rota, Zhao Cai comezou a adestrar para igualar o marcador. A crueldade é a regra, e se un se esquece, os cadáveres espidos colgados na rúa recordarano.
No Inferno Xu a violencia é subxectiva. Non foi a espada abraiante a que os matou, senón os rostros de ollos brancos desfigurados pola ira detrás deles. Cada batalla é outra montaxe abrasadora construída arredor da folga do muíño de vento de Zhao Wudi. A cámara segue a perdición borrosa do seu rival. Se teñen sorte, paran unha vez. A continuación, un xiro, un empuxe cara adiante, un flash de aceiro, o sangue manchando a pantalla shoji próxima. Os espadachíns cunha man son tan bos. Xu Iran.
Os representantes de Wesley Snipes dixéronlle que non fabricase Blades. A oferta chegou cun golpe na calma superpoderosa entre "Batman & Robin" e "X-Men". A oferta chegou cun golpe na calma superpoderosa entre "Batman & Robin" e "X-Men". A proposta aterrou cun golpe na calma súper forte entre Batman & Robin e os X-Men. A proposta esborrallouse na super pausa entre Batman & Robin e X-Men.Nunha entrevista de 2017 con Tom Power, Snipes reiterou a súa lóxica a proba de balas sobre aceptar un traballo pase o que pase: "Porque nunca antes vin a un vampiro negro facendo karate!"
O primeiro Blade tivo os seus encantos, entre os que o principal foi a infame juerga sanguenta, pero o Blade II finalmente pagou ese cheque na súa totalidade. Os asesinos de medio vampiros son de súpeto máis un problema que os vampiros dos libros de texto. Unha nova variedade entrou nas rúas, formando visualmente parte do Nosferatu. Teñen bocas "depredadoras", ansias de humanos e vampiros, e a súa estrutura esquelética fainos soñar despierto. Mesmo cando son golpeados con espadas, simplemente foxen coas barrigas sen corpo. O único xeito de derrotalos? É certo: máis karate.
O director Guillermo del Toro, que acababa de estrear The Devil's Backbone, fixo berrar a súa fabulosa abominación sobre si mesmo e fixo que Blade 2 parecese unha maldita película de loita. Interpretado por Snipes, un cinto negro en varias artes marciais. Esta é unha estrela de cine no cumio do poder e orgullosa del. Cada liña, cada liña vertical, cada plano cego do seu mítico Oakley é a combinación perfecta de actor e personaxe, unha das mellores tomas xamais tomadas. As películas de superheroes non melloran.
The Blues Brothers baseouse nunha parodia de Saturday Night Live sobre Dan Aykroyd e John Belushi con disfraces de abella. Cando abandonan as insignias e convértense en auténticos espectáculos cunha morea de músicos asasinos detrás, nin sequera deixan espazo para o remate. Aquí tes dous dos artistas burlescos máis populares de América que mostraron a súa versión de blues da Garage Band na televisión nacional.
Dalgunha maneira, esa banda sonora de dobre platino converteuse nunha Odisea de dúas horas, unha das películas máis difíciles de categorizar deste tipo, sexa cal sexa. comedia? Música? Persecución de imaxes? E non todo o anterior. Este frenesí mixto é o resultado do guionista novato Aykroyd que entregou un guión do tamaño dunha axenda telefónica que recolle todos os detalles da banda e os poderes máxicos do seu nobre corcel sen nome, o Bluesmobile. O director John Landis, o caótico director de Animal House, converte a enciclopedia da súa estrela na esencia das súas asociacións libres.
As propias rutinas de baile poden ser emocionantes (consulta a actuación de Aykroyd no Sweet Home Chicago), pero o derbi de demolición é en realidade un récord. Había 104 coches de acrobacias implicados no proceso de produción, polo que un taller de reparación de 24 horas levou a cabo nada. Landis e a súa Crazy Band solicitaron un permiso especial para atravesar algunhas das rúas máis transitadas da cidade do vento a 100 millas por hora. Sen esquecer un centro comercial pechado recreado coa finalidade expresa de demolición. Entre a banda sonora de fondo, o caos ás catro rodas e a sensación de que os resortes podían romper en calquera momento, The Bruce Brothers estivo como dúas horas na feira comarcal máis perigosa do país. Non moitos loitadores poden presumir do mesmo.
"Normalmente a acción é algo que ocorre sen motivo", dixo o director Doug Liman a Variety. "No caso de Bourne, coñécese a si mesmo nas escenas de loita". Na súa primeira fotografía de estudio, Identificación, Liman tamén se recoñece en escenas de acción. O seu estilo de libre asociación fai que as listas sexan redundantes e os produtores sexan vermellos brillantes. Este conflito converteríase nunha especie de marca rexistrada, coñecida cariñosamente como "Limania". Pero a súa obra e todo o que a reproduce fala por si só.
Matt Damon, de 32 anos, parece polo menos 5 anos máis novo, pelexa e corre como un tolo. As habilidades perdidas debido a un ataque de amnesia volven en forma de reacción de pánico. Xire os cóbados. Conduce un Mini Cooper no tráfico que se achega. Leva o bolígrafo Bic ao apuñalado. Usando o cadáver como airbag, caeu catro pisos máis ou menos ileso. As secuencias son cortadas e ensambladas para encaixar, sacrificando a sensación xeográfica de urxencia da adrenalina. Lyman presta menos atención aos golpes que ás súas mans enredadas en busca dun obxectivo.
Algúns poderían argumentar que Paul Greenglass perfeccionou o estilo na secuela sacudindo a cámara ata o punto de causar mareo, pero o ADN era totalmente de Lehmann. O maior eloxio de Bourne Identity vén da competencia. Cando James Bond necesitaba un modelo a seguir no mundo posterior ao 11-S, tomou algunhas leccións de Jason Bourne. "Casino Royale" podería saír por riba, pero sen "The Bourne Identity" non habería "Casino Royale".
Ao presentar "City of Violence" para Twitch Film, o escritor, director, produtor e estrela Ryu Seung Wan descríbeo como "elixir personaxes das películas de John Woo ou Jang Chul, [poñéndoos] na mesma posición que Roman Polanski". cine e o desenvolvemento da acción ao estilo de Jackie neste mundo. Para os cineastas, unha vez que ven a película, ten sentido.
Catro amigos da infancia afastados reúnense debido á inusual morte do seu quinto fillo. Tres fanse respetables -axente de policía, profesor de matemáticas, usurero- e o cuarto tórnase escuro e convértese no padriño de Seúl. Durante un tempo, foi un drama inquietante sobre un camiño non percorrido. Seung Wan recorda entón os bos vellos tempos cando os cinco pelexaron con outras bandas de adolescentes máis grandes nunha pelexa e acabaron enterrados ao pescozo cando foron inevitablemente derrotados. Como prestamistas e policías, Seung Wan e o coordinador de acrobacias Jeon Doo Hong asumen o sombrío deber de investigar o asasinato do quinto home e, quizais, só quizais, usan os seus nudillos para a nostalxia.
Pero unha película chamada "Cidade da violencia" non figura na lista por motivos argumentais. Imaxina a Dou Hong camiñando só pola noite, diante dun grupo de bailaríns de break. O verme desafiouno en silencio. Como resultado, a loita na rúa consiste en esquivas, rolos e reutilización da postura. Du Hong fuxiu tan pronto como puido romper as súas defensas de parada de mans, pero non chegou moi lonxe. Case inmediatamente, estivo rodeado por outras tres bandas temáticas: xogadoras de hóckey, alumnas e xogadoras de béisbol. A guerra seguinte -non hai outras palabras para describila- foi un espectáculo abraiante de movemento físico. Dou Hong xirouno como un top, e o impulso non funcionou pola elegancia de Chen, senón pola salvaxe dun cofre afundido. Nin sequera é a loita máis grande, mellor ou peor da Cidade.
O director Renny Harlin non pensou que as Montañas Rochosas fosen o suficientemente fortes como para rivalizar coas Montañas Rochosas, polo que trasladou a maior parte da produción aos Dolomitas, no norte de Italia. Sexa ou non a solución máis práctica, definitivamente é a solución ao estilo Harlem para conseguir mellores músculos e tamaños sorprendentes. O seu Die Hard 2 está exposto a estraños perigos por mor dun heroe humano. El precisa de superman.
Cando comezaron a filmar, Sylvester Stallone tiña medo ás alturas. Pero na súa maioría, son el, Rocky e Rambo, colgando desde 13.000 pés no aire, estremecendo na neve alpina en camisetas. O guión é defectuoso: a abertura na que o fornido bíceps de Stallone non pode resistir a forza da gravidade é dolorosa como sempre, pero tamén está presente en cada primeiro plano doloroso. A diferenza entre Schwarzenegger e Sly no seu pico foi a dor; mentres que o primeiro era máis ou menos invencible, o segundo estaba ferido. No seu mellor momento, The Rock é o regreso de Stallone ás súas "primeiras raíces de sangue" despois de que a secuela de Rambo convertese o personaxe nun cartel do proxecto do exército dos Estados Unidos.
Entre Schwarzenegger e Stallone, Sly tivo a mellor taquilla en 1993, esta película e The Destroyer eran máis bonitas que The Last Action Hero, pero o timbre soou a través dos dous musculosos homes. Stallone non tivo máis éxito no negocio das fotografías ata que The Expendables retirou os vellos modelos. Os intentos de Harlem de retratar a Geena Davis como a primeira heroe de acción dos anos 90, o status que se merecía despois de The Long Kiss, caeron sen problemas. Como mínimo, "The Cliff" segue a ser unha das últimas grandes explosións simuladas do xénero.
"Foi fácil para el, porque realmente non cría que ía suceder", dixo Pam Greer, unha enfermeira convertida en vixilante, ao distribuidor número 2, segundos despois, o Ministerio fixo un buraco na cabeza do número 1. por ti, porque será mellor que creas que vai pasar”. Ese é o encanto de Greer, en poucas palabras: é imposible botala de menos, pero se a subestimas, faino pola túa conta e risco.
Na súa primeira exposición individual, Greer fíxose cargo de todo o comercio de heroína. Ela úsase a si mesma como cebo e trampa, atrae ás súas presas co seu corpo amazónico e conxélaas coa frase dun millón de dólares: "Voarás polas súas portas nacaradas co maior sorriso que San Pedro vira nunca". tiña a man: unha escopeta, unha xiringa, unha navalla agochada no cabelo. O director Jack Hill certamente pon a explotación en Blaxploitation -non só Coffey ten algo de pel, senón que parte da súa brutalidade, como linchamentos de coches, ofende o gusto vulgar-, pero a película non perdeu o seu lugar nas décadas posteriores ao seu lanzamento. .
Greer colaborou con Hill nun guión que presentaba a súa propia nai. O seu dobre dobre, Jedi David, foi a primeira muller negra da industria cinematográfica. En circunstancias modernas, Pam Grier converteuse nunha típica heroína de acción, negra ou non, quen sabe: "Creo un mercado para películas sobre mulleres que se resisten e usan o sexo", dixo a The New York Times. E todo comezou co seu enfoque en dous aspectos en Coffey.
En Stay Hungry, Arnold é unha revelación. En Pumping Iron, Arnold é novo. En Conan e The Terminator, é un truco insubstituíble. O seu contido en "Comando" está impreso no cartel: "Schwarzenegger" está adxunto ao título.
Se había algunha dúbida de que chegaran as grandes estrelas de acción da década, quedaron calmadas polos créditos iniciais. O carballo austríaco ten unha motoserra nunha man e un carballo común na outra. Segundo Empire, o director Mark Crist prometeu ao ver o partido: "Necesitamos ter un palo máis grande que Rambo para explicar e perdoar mellor o que vén despois".
Sen provocación, John Matrix é un oso de peluche con pantalóns de coiro. Ata o cervo encántalle. Non obstante, despois de secuestrar á súa filla, converteuse nunha praga humana. A única vez que deixou de moverse foi cando todo o equipo de mercenarios tirouno ao chan e adormeceu coma un rinoceronte que fuxiu. Pero isto é só un golpe de velocidade para os superheroes. O Matrix saltou do avión en pleno voo e atrasou unha cabina telefónica mentres falaba. Uns milisegundos despois de que o descapotable chocase contra unha farola, preguntoulle ao pasaxeiro Ray Dong Chong se estaba ben, respondeulle e saíu a colgar ao vilán dunha pedra. O final é un dedo medio de dez minutos de "First Blood: Part II", unha guerra unipersonal que se libra nas costas de California mentres o ditador suramericano Dan Hedaye intenta chantaxear a máquina de violencia de movemento perpetuo equivocada.
Sen segundos perdidos, fogos artificiais ou autopsias satíricas, Commando é o ideal platónico da acción dos 80 e a chegada da estrela de cine Arnold Schwarzenegger.
Algúns actores están feitos para papeis únicos na vida. Por outra banda, Arnold Schwarzenegger é demasiado bo para interpretar a Conan. O director e guionista John Milius non quería un fisiculturismo, quería un salvaxe. Cre teimudamente que o protagonista pouco convencional perderá peso, venderá o seu diálogo magullado, converterase no seu Conan e converterá a un idiota en ópera wagneriana.
Schwarzenegger non é o salvaxe elocuente dos interminables libros de bolsillo de Robert Howard. Non obstante, el é o Flesh Hulk interpretado por Frank Frazetta en moitas portadas. Mesmo pedirlle ao teu deus unha vinganza sanguenta sería demasiado para Conan. "Non podo facer nada ao respecto", dixo. O seu acento austríaco fixo que algunhas das súas palabras soasen viciosas e descoñecidas, coma se nunca antes falara desde un mundo que non necesitase falar. Vaga polo páramo místico en busca de sexo, tesouro e vinganza, a única lingua que fala de verdade.
Non obstante, cando Schwarzenegger balanceou a espada da Atlántida, o seu físico imposible desapareceu. Xusto antes de que a folla estivese manchada de sangue, eran só dous ollos brancos enfadados, un neno que pisaba un formigueiro por bloquear o camiño. Ningunha cantidade de pintura de guerra podía ocultar a suavidade do seu rostro. Este salvaxe está nunha etapa de desenvolvemento onde é arrestado, un inocente é torturado e recompensado por ser unha máquina de matar hedonista e Milius cre que é a única persoa viva que pode levar esta agulla no seu corpo. Arnold Schwarzenegger quizais non se convertera en Conan, polo menos para os estándares literarios, pero no seu estilo olímpico fixo máis: fixo Conan Arnold Schwarzenegger.
Magic, o debut como director de Mark Neveldine e Brian Taylor, remata co personaxe de Jason Statham caendo 6.500 pés e aterrando nun Jaguar XJ6. Non obstante, Lionsgate pediulles que fixeran unha secuela. A parella viu isto como un reto ben pensado e escribiu outro. A día de hoxe, non cren que o estudo lera o guión.
Ver algunha escena en particular en Crank: High Voltage confirmou as súas sospeitas. Segundo Neveldine e Taylor, trátase de Evil Dead 2 do orixinal Evil Dead. É parte remake, parte pervertido, parte formalidade. En lugar dunha subministración constante de adrenalina para manter o corazón bombeando, Statham necesita descargas regulares para manter a súa alternativa no mercado negro funcionando. As bebidas enerxéticas xa non axudarán. Esta vez, necesita, por exemplo, usar o raio da subestación, xogar a escala de Godzilla e estrelar ao seu inimigo contra o almacén en miniatura máis próximo. Todo o vello volve ser novo, pero aínda máis desagradable, o sexo público coa moza Amy Smart convértese nun maratón acrobático de carreiras de cabalos. Statham, o descendente unxido da icona de acción dos anos 80, demostrou ser máis xoguetón que o resto da clase. Ningún outro actor lle gritou tan forte a un paseador de cans para que siga electrocutando o seu colar ou pareza tan estúpido sen estes efectos.
Crank: High Pressure segue sendo o punto de referencia para a acción cursi, o incrible traballo de dous artistas tolos que levan as cámaras profesionais a novas alturas e novos mínimos. Desde entón, houbo rumores dun terceiro Freak (que podería ser filmado en 3D, como dixo Statham a Movies.ie), pero o mundo quizais non estea preparado para iso. Aínda non está preparado para a "alta presión".
O director Ang Lee dixo nunha entrevista con Entertainment Weekly: "Esta é unha película de artes marciais, despois duns meses de traballar nela, decateime de que era realmente musical". adeus. Lóxica, vai ao país da fantasía infantil”. Hu Wan soñou con facer a súa propia película de artes marciais desde que viu a un samurái loitando nun duelo acrobático nun bosque de bambú no seu One Zen. Cando Lee finalmente ten a oportunidade, quere que os seus guerreiros loitan nesas árbores.
Hora de publicación: 27-Oct-2022